Frieze Seoul 2026
Sep. 2-5, 2026
Coex 國際暨會議展⽰中⼼
Booth MP5
Admira Gallery公布 Frieze Seoul 2026策展計畫
塚本智也 × 都淳朗，以「光繪畫 × 光雕塑」展開材料與感知的當代藝術對話
繼日前正式宣布入選 Frieze Seoul 2026「Material Practice」策展單元後，Admira Gallery 正式公布本屆策展計畫與參展藝術家，將由兩位日本當代藝術家塚本智也（Tomoya Tsukamoto）與都淳朗（Atsuro Miyako）共同展出。(Booth：MP5)
本次策展從兩位藝術家共同關注的「光」出發，以「光繪畫 × 光雕塑」形成彼此呼應的策展關係，透過繪畫與立體作品兩種不同的創作路徑，探索光、材料與觀看經驗之間的關係。
本屆 Material Practice 由韓國獨立策展人 Hyeyoung Cho 策劃，聚焦當代藝術脈絡下的材料實踐，以及藝術家如何突破既有媒介分類，重新思考材料、作品、空間與觀看者之間的關係。Admira Gallery 則從長期對亞洲當代藝術的觀察出發，選擇兩位世代與創作背景截然不同，卻同樣以「光」拓展觀看經驗的日本藝術家進行對話。
Admira Gallery Unveils Its Curatorial Presentation for Frieze Seoul 2026
Tomoya Tsukamoto × Atsuro Miyako: “Light Painting × Light Sculpture” — A Contemporary Art Dialogue Between Material and Perception
Following the recent announcement of its selection for Material Practice at Frieze Seoul 2026, Admira Gallery is pleased to unveil its curatorial presentation and participating artists: Japanese contemporary artists Tomoya Tsukamoto and Atsuro Miyako.
Taking light as a shared point of departure, the presentation brings together “Light Painting × Light Sculpture,” creating a dialogue between two distinct artistic approaches—painting and three-dimensional practice—to explore the relationships between light, material, and the act of seeing.
Curated by Korean independent curator Hyeyoung Cho, Material Practice focuses on material-based practices within contemporary art and examines how artists move beyond conventional distinctions between media to reconsider the relationships among material, artwork, space, and viewer. Drawing on its longstanding engagement with Asian contemporary art, Admira Gallery brings together two Japanese artists of different generations and creative backgrounds whose practices converge through their exploration of light and perception.
Admira Gallery, Frieze Seoul 2026 큐레이토리얼 프로젝트 공개
츠카모토 토모야 × 미야코 아츠로, ‘빛의 회화 × 빛의 조각’으로 펼치는 물질과 지각의 현대미술적 대화
Frieze Seoul 2026의 큐레이티드 섹션 ‘Material Practice’ 참여를 공식 발표한 Admira Gallery가 이번 전시의 큐레이토리얼 프로젝트와 참여 작가를 공개한다. 일본 현대미술 작가 **츠카모토 토모야(Tomoya Tsukamoto)**와 **미야코 아츠로(Atsuro Miyako)**가 함께 참여한다.
이번 전시는 두 작가의 작업을 연결하는 공통의 출발점인 **‘빛’**에 주목한다. ‘빛의 회화 × 빛의 조각’이라는 관계를 통해 회화와 입체라는 서로 다른 창작 방식이 어떻게 빛, 물질, 그리고 보는 경험 사이의 관계를 확장하는지 탐구한다.
한국의 독립 큐레이터 **조혜영(Hyeyoung Cho)**이 기획한 Material Practice는 현대미술의 맥락에서 물질과 재료에 기반한 예술적 실천에 주목하며, 작가들이 기존 매체의 경계를 넘어 재료, 작품, 공간, 관람자 사이의 관계를 어떻게 새롭게 구성하는지를 살펴본다. Admira Gallery는 오랫동안 이어온 아시아 현대미술에 대한 관점을 바탕으로, 서로 다른 세대와 창작 배경을 지녔지만 ‘빛’을 통해 지각과 감상의 경험을 확장해 온 두 일본 작가를 하나의 공간에서 연결한다.
塚本智也 Tomoya Tsukamoto
鯉圖 Swimming in the Universe
2016
Acrylic, Canvas
97 x 130.3 cm (F60)
從三原色到「光的繪畫」——塚本智也
1982年出生於日本石川縣的塚本智也，長期透過繪畫探索色彩、光影與視覺感知之間的關係。
塚本以空氣噴筆（Airbrush）將紅、藍、黃三原色化為極其細微的點，經由反覆噴疊，使原本分離的色彩在觀者視網膜上產生視覺混色。當觀看距離與視線改變，畫面中的具象形體與抽象色彩也隨之產生不同關係，使圖像與背景、光與影之間的界線逐漸消融。櫻花、錦鯉、鹿與人物等具有日本文化記憶的意象反覆出現在他的作品中。塚本將西方點描與視覺混合理論，與日本琳派的裝飾性及「かざり（Kazari）」美學相互交織，形成具有當代性的繪畫語言。
在塚本的繪畫中，「光」並非只是被描繪的景象，而是透過色彩與觀看本身才得以發生的視覺經驗。
From Primary Colors to “Light Painting” — Tomoya Tsukamoto
Born in Ishikawa, Japan, in 1982, Tomoya Tsukamoto has long explored the relationships between color, light and shadow, and visual perception through painting.
Using an airbrush, Tsukamoto transforms the three primary colors—red, blue, and yellow—into extremely fine dots, repeatedly layering them so that otherwise separate colors optically blend in the viewer’s eye. As viewing distance and perspective shift, the relationship between figurative forms and fields of abstract color also changes, gradually dissolving the boundaries between image and ground, light and shadow.
Cherry blossoms, koi, deer, and human figures—motifs deeply embedded in Japanese cultural memory—recur throughout his work. Tsukamoto brings together Western theories of pointillism and optical color mixing with the decorative qualities of the Japanese Rinpa tradition and the aesthetics of kazari, developing a distinctive contemporary painterly language.
In Tsukamoto’s paintings, light is not simply something depicted. It becomes a visual experience that emerges through color and the very act of seeing.
삼원색에서 ‘빛의 회화’로 — 츠카모토 토모야
1982년 일본 이시카와현에서 태어난 츠카모토 토모야는 회화를 통해 색채, 빛과 그림자, 그리고 시각적 지각 사이의 관계를 지속적으로 탐구해 왔다.
츠카모토는 에어브러시를 이용해 빨강, 파랑, 노랑의 삼원색을 극도로 미세한 점으로 표현하고 이를 반복적으로 중첩한다. 서로 분리되어 있던 색들은 관람자의 망막에서 시각적으로 혼합되며 하나의 색채 경험을 만들어낸다. 관람 거리와 시선의 위치가 달라짐에 따라 화면 속 구상적 형상과 추상적인 색채 사이의 관계 역시 변화하며, 이미지와 배경, 빛과 그림자의 경계는 점차 흐려진다.
벚꽃, 비단잉어, 사슴, 인물 등 일본의 문화적 기억과 연결된 이미지들은 그의 작품에 반복적으로 등장한다. 츠카모토는 서양의 점묘법과 시각적 혼색 이론을 일본 린파(琳派)의 장식성과 ‘카자리(かざり, Kazari)’ 미학과 결합하며 독자적인 현대 회화 언어를 구축해 왔다.
츠카모토의 회화에서 ‘빛’은 단순히 묘사되는 대상이 아니다. 색채와 보는 행위를 통해 비로소 발생하는 하나의 시각적 경험이 된다.
都淳朗 Atsuro Miyako
Juvenile：Positive
2026
PET / Polarizer / LED / Acrylic / Aluminum
31.9x 23.2 x 6.6 cm
將不可見的力量轉化為「光的雕塑」——都淳朗
1996年出生於日本德島縣的都淳朗，則從設計、科技與自然現象的交界展開創作。他的實踐經常從材料本身具有的物理特性出發，透過研究與實驗，將原本存在於日常之中、卻不容易被肉眼察覺的自然現象，轉化為可以被觀看與感知的作品。
都淳朗過去曾以「光彈性（Photoelasticity）」作為創作方法：當透明材料受到外力產生應力，在偏振光（Polarization）作用下形成複折射，原本不可見的力量因而轉化為鮮明的光與色彩紋理。此次於 Frieze Seoul 所呈現的創作，亦延續他對光、偏振與材料之間關係的探索，使光不再只是照亮物體的外在條件，而成為構成作品本身的重要媒介。
Transforming Invisible Forces into “Light Sculpture” — Atsuro Miyako
Born in Tokushima, Japan, in 1996, Atsuro Miyako develops his practice at the intersection of design, technology, and natural phenomena. Beginning with the physical properties of materials, he uses research and experimentation to transform phenomena that exist around us yet often remain invisible to the naked eye into experiences that can be seen and perceived.
Miyako has previously employed photoelasticity as an artistic method. When transparent materials are subjected to external stress, birefringence occurs under polarized light, transforming otherwise invisible forces into vivid patterns of light and color.
His presentation at Frieze Seoul continues this exploration of the relationships among light, polarization, and material, allowing light to move beyond its conventional role as an external condition that illuminates an object and become an integral medium of the work itself.
보이지 않는 힘을 ‘빛의 조각’으로 — 미야코 아츠로
1996년 일본 도쿠시마현에서 태어난 미야코 아츠로는 디자인, 테크놀로지, 자연현상이 교차하는 지점에서 작업을 전개한다. 그는 재료가 지닌 물리적 특성에서 출발해 연구와 실험을 거치며, 일상 속에 존재하지만 육안으로는 쉽게 인식할 수 없는 자연현상을 보고 감각할 수 있는 작품으로 전환한다.
미야코는 작업 방법 중 하나로 광탄성(Photoelasticity) 현상을 활용해 왔다. 투명한 재료에 외부의 힘이 가해져 응력이 발생하면 편광 아래에서 복굴절 현상이 나타나며, 본래 눈으로 볼 수 없었던 힘이 선명한 빛과 색채의 패턴으로 드러난다.
이번 Frieze Seoul에서 선보이는 작업 역시 빛, 편광, 재료 사이의 관계에 대한 탐구를 이어간다. 여기서 빛은 더 이상 물체를 비추기 위한 외부 조건에 머물지 않고, 작품 자체를 구성하는 중요한 매체로 작동한다.
塚本智也 Tomoya Tsukamoto
Journey of Colors -斜影の梅 1 / 2 / 3
2016
Acrylic, Canvas
45.5 x 53 cm (3 pieces)
光繪畫 × 光雕塑
一位以三原色構築光，一位以物質讓光顯現。
塚本智也讓色彩在觀者的視覺感知中形成「光」；都淳朗則透過材料與物理現象，將原本不可見的力量轉化為可被觀看的光。兩種截然不同的創作方式，在同一空間中形成「光繪畫 × 光雕塑」的對話。繪畫與雕塑不再只是媒介上的分類，「光」也不再只是作品被觀看時的外在條件，而成為連結作品、空間與觀看者的共同媒介。
這樣的策展方式，也延續 Admira Gallery 長期對亞洲當代藝術的觀察。畫廊並不以繪畫、雕塑、工藝或設計等既有分類作為觀看藝術的界線，而是關注藝術家如何運用不同媒材、技術與文化背景，建立屬於當代藝術的創作語言。
Light Painting × Light Sculpture
One constructs light through primary colors; the other allows light to emerge through material.
Tsukamoto creates “light” through color and visual perception, while Miyako uses materials and physical phenomena to transform invisible forces into light that can be seen.
Placed within the same space, these two distinctly different artistic approaches create a dialogue between “Light Painting × Light Sculpture.” Painting and sculpture are no longer treated simply as separate media, while light becomes more than an external condition of viewing: it serves as a shared medium connecting artwork, space, and viewer.
This curatorial approach reflects Admira Gallery’s longstanding perspective on Asian contemporary art. Rather than treating painting, sculpture, craft, and design as fixed or separate categories, the gallery focuses on how artists employ diverse materials, techniques, and cultural contexts to develop new languages within contemporary art.
빛의 회화 × 빛의 조각
한 사람은 삼원색으로 빛을 구축하고, 다른 한 사람은 물질을 통해 빛을 드러낸다.
츠카모토 토모야는 색채와 관람자의 시각적 지각 속에서 ‘빛’을 형성하고, 미야코 아츠로는 재료와 물리적 현상을 통해 본래 보이지 않던 힘을 눈으로 볼 수 있는 빛으로 전환한다.
서로 다른 두 창작 방식은 하나의 공간에서 ‘빛의 회화 × 빛의 조각’이라는 대화를 만들어낸다. 회화와 조각은 더 이상 단순히 매체에 따른 분류에 머물지 않으며, ‘빛’ 역시 작품을 바라보기 위한 외부 조건을 넘어 작품, 공간, 관람자를 연결하는 공통의 매체가 된다.
이러한 큐레이토리얼 접근은 Admira Gallery가 지속적으로 탐구해 온 아시아 현대미술에 대한 관점과도 맞닿아 있다. 갤러리는 회화, 조각, 공예, 디자인 등을 서로 분리된 고정적 범주로 바라보기보다, 작가들이 다양한 재료와 기술, 문화적 배경을 통해 어떻게 현대미술의 새로운 언어를 구축하는지에 주목한다.
都淳朗 Atsuro Miyako
To Where the Waves Go:Negative
2026
PET / Polarizer / LED / Acrylic / Aluminum
31.9x 23.2 x 8.2 cm
Admira Gallery 總經理 Chad Liu 表示：「塚本智也與都淳朗來自不同世代與專業背景，各自採取相異的創作脈絡，但當我們重新觀看兩人的作品，會發現『光』其實成為他們彼此之間非常有趣的連結。一位透過色彩與視覺感知讓光在繪畫中發生，一位透過材料與自然現象讓不可見的力量轉化為光。我們希望這次在 Frieze Seoul，不只是展示兩位藝術家的作品，而是讓兩種截然不同的藝術語言，在同一個空間裡相互映照。」
對 Admira Gallery 而言，此次參與Frieze Seoul 2026 ，不只是一次國際藝術博覽會的展出，更是透過策展，將畫廊長期關注的亞洲當代藝術觀點帶入國際對話的實踐。從「光繪畫」到「光雕塑」，兩位藝術家以截然不同的創作路徑，最終指向同一個關於觀看的問題：當光不再只是讓作品被看見的條件，而成為構成作品本身的一部分，我們又將如何重新觀看藝術？
Admira Gallery 將於 Frieze Seoul 2026 正式呈現本次策展計畫，完整作品與展場空間將於展會期間公開。
Chad Liu, General Manager of Admira Gallery, states:
“Tomoya Tsukamoto and Atsuro Miyako come from different generations and professional backgrounds, each developing a distinctly different artistic practice. Yet when we look at their works together, light emerges as a fascinating connection between them. One allows light to occur within painting through color and visual perception; the other uses material and natural phenomena to transform invisible forces into light. At Frieze Seoul, we hope not simply to present the works of two artists, but to allow two very different artistic languages to reflect and resonate with one another within the same space.”
For Admira Gallery, participating in Frieze Seoul 2026 represents more than an appearance at an international art fair. It is an opportunity to bring the gallery’s longstanding perspective on Asian contemporary art into a broader international curatorial dialogue.
From “Light Painting” to “Light Sculpture,” the two artists ultimately arrive at a shared question about the act of seeing:When light is no longer merely the condition that allows an artwork to be seen, but becomes part of the artwork itself, how might we begin to see art differently?
Admira Gallery will present the complete curatorial project at Frieze Seoul 2026, with the full selection of works and exhibition installation to be unveiled during the fair.
Admira Gallery General Manager Chad Liu는 다음과 같이 말한다.
“츠카모토 토모야와 미야코 아츠로는 서로 다른 세대와 전문적 배경을 지니고 있으며, 각기 다른 창작의 맥락을 발전시켜 왔습니다. 그러나 두 사람의 작품을 함께 바라보면 ‘빛’이 이들을 연결하는 매우 흥미로운 접점이라는 사실을 발견하게 됩니다. 한 사람은 색채와 시각적 지각을 통해 회화 안에서 빛을 발생시키고, 다른 한 사람은 재료와 자연현상을 통해 보이지 않는 힘을 빛으로 전환합니다. 이번 Frieze Seoul에서는 단순히 두 작가의 작품을 보여주는 데 그치지 않고, 서로 다른 두 예술 언어가 하나의 공간 안에서 서로를 비추고 공명하도록 하고자 합니다.”
Admira Gallery에게 Frieze Seoul 2026 참가는 단순히 국제 아트페어에서 작품을 선보이는 것 이상의 의미를 지닌다. 갤러리가 오랫동안 주목해 온 아시아 현대미술에 대한 관점을 큐레이토리얼 실천을 통해 보다 넓은 국제적 대화 속으로 확장하는 기회이기도 하다.
‘빛의 회화’에서 ‘빛의 조각’으로 이어지는 두 작가의 서로 다른 창작 경로는 결국 ‘본다’는 행위에 관한 하나의 질문으로 수렴한다.
빛이 더 이상 작품을 보이게 하는 조건에 머물지 않고 작품 자체를 구성하는 일부가 될 때, 우리는 예술을 어떻게 새롭게 바라볼 수 있을까?
Admira Gallery는 Frieze Seoul 2026에서 이번 큐레이토리얼 프로젝트를 공식적으로 선보이며, 전체 출품작과 전시 공간은 페어 기간 중 공개할 예정이다.