2026 ART FAIR TOKYO
Galleries：N 011 ADMIRA Gallery 觀止堂
Galleries：L 012 Kawata Gallery 川田畫廊（Courtesy of ADMIRA Gallery觀止堂）
VIP PREVIEW | March 12,2026, PUBLIC DAYS | March 13-15, 2026
このたび Admira Gallery（観止堂） は、パンデミック以降初めて Art Fair Tokyo 20（東京アートフェア） へ復帰することを大変光栄に思います。本年は、韓国のアーティスト クォン・ヌン（Kwon Neung） と台湾のアーティスト 頼逸倫（Yi-Lun Lai） の作品を携えて出展いたします。
また、神戸の老舗ギャラリー 川田画廊（Kawata Gallery） との継続的な協働のもと、日本人アーティスト 塚本智也（Tomoya Tsukamoto） の 2026年新作シリーズ も東京アートフェアにて発表いたします。
今年は Art Fair Tokyo の20周年という節目の年でもあり、同時に二つのブースで異なる形式によってアーティスト作品を紹介できることは、私たちにとって特別な意味を持つ機会となります。
We are honored to announce that Admira Gallery will return to Art Fair Tokyo for the first time since the pandemic, presenting works by Korean artist Neung Kwon and Taiwanese artist Yi-Lun Lai.
At the same time, we will continue our collaboration with the long-established Kobe gallery Kawata Gallery, jointly presenting a showcase of new works by Japanese artist Tomoya Tsukamoto for 2026.
As Art Fair Tokyo celebrates its 20th anniversary this year, the opportunity to present artists across two different booths in distinct formats holds special significance for us.
很榮幸地宣布，Admira Gallery觀止堂，疫情後帶著韓國藝術家權能（Kwon Neung）、台灣藝術家賴逸倫（Yi-Lun Lai）的作品首度回歸ART FAIR
TOKYO 20（東京藝博）！並持續與神戶老舖川田畫廊 Kawata Gallery 在東京藝博合作，推出日本藝術家塚本智也（Tomoya Tsukamoto）的2026新作展！
今年是東京藝博成立20週年，同時在兩個展位以不同形式展出藝術家作品意義格外重大。
權能 Kwon Neung
The Crossing Becomes a Symphony
2026
Oil on canvas
95 x 174 cm
權能 Kwon Neung
Galleries： N 011 ADMIRA Gallery 觀止堂
韓国出身のアーティスト クォン・ヌン（Kwon Neung） は現在35歳。2019年に Art Central Hong Kong で作品を初公開して以来、欧米およびアジアのコレクターから大きな注目を集めた。フェア初日のわずか3時間で大型作品8点が完売し、売上は15万ドルを超えるなど、コレクターからの問い合わせが相次いだ。
その後、Admira Gallery による Art Central Hong Kong や Art Taipei での継続的な紹介により、クォンの作品市場は着実に成長。現在までに価格は 20％以上上昇 し、累計販売額は 50万ドル以上 に達している。コレクター層は欧米・アジアに広がり、美術館のキュレーターや委員会からも高い関心と評価を受けている。
近年は複数の美術館から個展のオファーを受け、展覧会の予定は 2027年まで すでに決定しており、国際的なアートシーンにおける影響力の高まりを示している。
近作では、これまで以上に奥行きと魅力的な画面構成が現れている。従来の作品では、作家特有のユーモアと想像力によって生み出された多くの人物が登場していたが、近年はあえて人物数を減らし、画面に余白を生み出すことで、映画のワンシーンのような雰囲気や、日本のスナップ写真のような即興的な感覚を生み出している。
高度な ハイパーリアリズムの技法 によって、現実と幻想が交差するような画面が生まれ、国境や文化、世代を超えて多くのコレクターに強い印象を与えている。今日のアジア若手作家の中でも、独自の存在感を放つアーティストの一人である。
Art Fair Tokyo 2026 での展示は、クォン・ヌンにとって 東京初上陸 となる。彼の作品が東京のアートシーンに新たな話題をもたらすことが期待されている。
At just 35 years old, the exceptionally young Korean artist Kwon Neung first gained international attention when his works debuted at Art Central Hong Kong in 2019. The response from collectors across Europe, Asia, and the United States was immediate and overwhelming: eight large-scale paintings sold out within the first three hours of the opening day, generating sales exceeding USD 150,000, while inquiries from collectors continued to pour in.
Since then, through continued presentations arranged by Admira Gallery at both Art Central Hong Kong and Art Taipei over several consecutive years, the market for Kwon’s work has steadily strengthened. His prices have risen by more than 20%, with total cumulative sales surpassing USD 500,000. His collector base now spans Europe, the Americas, and Asia, and his work has also drawn the attention and recognition of museum curatorial committees.
Following this growing recognition, Kwon has received invitations from multiple museums to present solo exhibitions, with his exhibition schedule already extending through 2027, reflecting his rapidly rising influence in the international art scene.
Kwon’s newest works reveal an unprecedented sense of depth and visual allure. While his earlier paintings were filled with an extraordinary cast of characters born from his boundless humor and imagination, in recent years he has deliberately reduced the number of figures, creating spaces of visual pause between them. The resulting compositions evoke the atmosphere of cinematic stills, while also carrying the spontaneous intimacy of casual Japanese snapshot photography.
Through his highly refined hyperrealistic technique, Kwon constructs images that feel strikingly surreal, achieving a mature visual language that transcends borders, cultures, and generations. Collectors from around the world respond to the dramatic tension embedded in his scenes, positioning him as one of the most distinctive voices among the younger generation of Asian artists today.
Art Fair Tokyo 20 in 2026 will mark Kwon Neung’s first presentation in Tokyo, where the unique charisma of his work is expected to generate significant attention within the city’s art scene.
現年35歲的超年輕韓國藝術家權能（Kwon Neung），作品首次於 2019 年香港 Art Central 亮相後獲得歐亞美藏家圈轟動，開幕首日3小時內8張大幅作品全數售罄，銷售額超過15萬美元，藏家詢問收藏作品的訊息絡繹不絕。後續隨著本畫廊為其安排於香港Art Central與台北Art Taipei連續數年固定展出，權能的作品市場價格穩定持續攀升，至今漲幅已逾20%，累積的銷售金額也超過50萬美金，藏家群來自歐美亞之餘，也獲得美術館策展委員的高度關注與肯定。隨後，他陸續收到多間美術館邀請舉辦個展，展覽計畫已排至2027年，展現其在國際藝壇持續上升的影響力。
新作展現以往不曾有過的畫面深度與魅力。過往他的作品總是充滿著他無以絕倫的幽默與想像力下創造出來的各式人物，近年他刻意減少畫面中的人物數量，在人物間創造出空間留白，有一種電影畫面、也有種私寫真隨手拍的日本攝影即興感。超寫實技法創造超現實畫面的風格越見成熟，跨越國界、文化與年齡，各國藏家都能感受到他作品畫面的戲劇張力，在現今眾多亞洲年輕藝術家中獨樹一格。2026年在Art Fair Tokyo 20的展出是他首次上陸東京，作品獨特魅力可望席捲東京藝術話題！
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賴逸倫 Yi Lun Lai
史畢瑞提·艾維 Spirited Away
2026
Ceramic, Oil paint, Wood
W43 x H75 x D27 cm
賴逸倫 Yi-Lun Lai
Galleries： N 011 ADMIRA Gallery 觀止堂
台湾のアーティスト 頼逸倫（Yi-Lun Lai） は、台湾工芸研究発展中心が主催する 第4回台湾青年陶芸賞ビエンナーレ にてグランプリを受賞し、また 鶯歌陶磁博物館 でも作品を発表している。
彼の作品は 動物の頭部と人間の身体を組み合わせた彫刻 を特徴とし、一見すると幻想的でユーモラスな造形でありながら、社会への批評的視点を内包している。細長い手足のプロポーションは日本のアニメ的な造形を思わせ、まるでフィギュアのような存在感を持つ。
精緻な身体表現から木彫作品と誤解されることも多いが、実際には すべて陶によって制作 されている。原型の繊細さを保つため低温焼成と施釉を用い、極めて高度な技術によって制作されている。
頼は社会を観察する視点を持ち、人間性と動物的本能を結びつけることで、欲望や社会構造を象徴する造形を生み出している。人間の身体は社会的役割としての外面的存在を、動物の頭部は人間の内側に潜む本能的な自己を象徴しており、社会に適応する過程で生じる人間の変容を示唆している。
作家自身は次のように語る。
「無力感に満ちた社会の中で、悲劇は私たちにとって最も日常的な色になっている。繰り返される生活のパターンは飼い慣らされた現実のようであり、人間はむしろ動物的本能を加速させているように見える。自由を求める動物のように、私たちはやがて欲望の象徴へと変異する。人間の皮を脱ぎ捨てたとき、私たちは観察される『彼ら』にもなるのだ。」
Admira Gallery が 2020年より正式に作品を取り扱って以降、台湾のアートフェアで急速に人気を高め、多くの作品が VIPプレビュー初日に完売 するなど高い評価を得ている。2023年には Art Central Hong Kong に初出展し、こちらでも完売を記録した。
今回の Art Fair Tokyo20 での展示は、作家にとって 東京初展示 となる。動物と人間が融合した独特の造形と、緻密な陶芸技術が生み出す作品は、見る者に強い印象を与える。
Taiwanese artist Yi-Lun Lai received the Grand Prize at the 4th Taiwan Biennial Ceramic Awards, organized by the National Taiwan Craft Research and Development Institute, and his works have also been exhibited at the Yingge Ceramics Museum. His sculptures—often featuring animal heads on human bodies—appear fantastical at first glance, yet carry a subtle critical undertone.
The elongated limbs of his figures evoke the stylized proportions of Japanese anime characters, almost resembling collectible figurines. Many viewers initially assume that the finely rendered anatomical details must be carved from wood. In fact, Lai works entirely in ceramics, firing low-temperature clay with glaze in order to preserve the delicate qualities of the original sculptural form—a testament to his remarkable technical mastery.
Lai approaches his practice almost like a social observer, connecting human nature with animal instinct to construct symbolic forms of desire. Through this transformation, he offers a subtle commentary on contemporary society. In his works, the human body represents the outward, socially constructed identity, while the animal head embodies the character’s primal inner self, reflecting the compromises and mutations people undergo in order to adapt to social structures.
In the artist’s own words:
“In a society filled with quiet resignation, tragedy has become the most familiar color of our lives—a daily murmur of resistance. Repetitive patterns of life are accepted as a domesticated reality, and humans who have grown accustomed to being enclosed seem to accelerate the expression of their own animal instincts. My works explore this paradox: like animals pursuing freedom, we ultimately transform into symbols of desire. Shedding the skin of humanity, we too become the ‘creatures’ being observed and ridiculed. Whether one accepts these raw aspects of human nature or not, they remain the bridge that connects us—imperfect, yet undeniably real.”
Since Admira Gallery began representing Lai in 2020, his popularity has risen rapidly within Taiwan’s art fair scene, with his works consistently selling out during the VIP preview days. In 2023, his works were presented for the first time at Art Central Hong Kong, where they also achieved a complete sell-out.
His presentation at Art Fair Tokyo 20 marks Yi-Lun Lai’s debut in Tokyo. The new works feature striking dual-bodied animal figures, whose intricate ceramic firing techniques and meticulous craftsmanship offer a truly breathtaking encounter for viewers.
賴逸倫作品榮獲由台灣工藝中心舉辦的第四屆台灣青年陶藝獎雙年展首獎，也曾於鶯歌陶瓷博物館展出，獸首人身作品看似魔幻，姿態卻帶批判語意，人物手腳比例細長有著日本動漫感仿似公仔，不明所以的人還以為能如此精細呈現身體細節媒材必是木雕，但他其實全用陶瓷創作，為保留原胚精緻度，以低溫土施釉燒製，技術爐火純青。
他像是個社會觀察家，將人性與動物的生物性連結，變異成某種真實象徵的慾望，藉此巧妙回應各種社會議題。人形代表了外顯社會化角色，動物則代表了角色的原始內心，間接反映了人為了適應社會環境所做出的妥協和變異。
他在藝術家自述中說，「在充斥無奈的社會中，悲劇是我們最習以為常的色彩，日復一日的呢喃抗議。反覆的生活模式被視為馴化的真實，慣於被圈養的人類，似乎加速生物性的表現。作品的特殊性在於，如同動物般追求奔向自由的我們，最後變異成某種『慾望的』象徵。蛻去人類的表皮，我們也在這當中成為被揶揄的『牠們』。不管你認不認同這些赤裸的人性，但它卻是牽起你我連結的橋樑，不美好但真實。」
2020年開始，本畫廊正式代理他的作品後，人氣迅速於台灣藝博會竄升，每次作品幾乎都是在VIP首日完售秒殺，2023年首次帶著他作品前進Art Central HK，亦獲得完售好成績!本次在東京藝博的展出是他首度上陸東京，作品呈現動物雙體，精細陶瓷燒製技巧讓人歎為觀止！
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塚本智也 Tomoya Tsukamoto
Koi Blooms
2026
Acrylic on Canvas
91 x 72.7 cm (F30)
塚本智也 Tomoya Tsukamoto
Galleries：L 012 Kawata Gallery 川田畫廊（Courtesy of ADMIRA Gallery觀止堂）
塚本智也（Tomoya Tsukamoto） は1982年石川県生まれ、現在は神奈川県を拠点に活動するアーティストである。エアブラシを用いて極めて細かな点を何度も吹き重ねることで、印象派の 点描画 を想起させる独自の視覚効果を生み出している。
赤・青・黄の 三原色を層状に重ねる ことで網膜上に視覚的な混色を生じさせ、イメージと背景の境界を曖昧にする表現が特徴である。作品には 桜、鯉、人物、鹿 などのモチーフが繰り返し登場し、光と影、生と死の循環といったテーマが探求されている。
近年は 実際の植物をテンプレートとして用いる手法 を取り入れ、図と地の反転を生む視覚的構造を構築している。ジョルジュ・スーラ（Georges Seurat）の視覚混合理論と、日本の 琳派 に見られる装飾性を現代的な視点で再解釈し、独自の絵画世界を展開している。日本的な装飾性を感じさせる複雑な画面でありながら、制作プロセスは極めてミニマルであり、鑑賞者を深い没入的体験へと導く。
2025年より、彼は 13年ぶりとなるアジア個展ツアー を開始した。東京での展示に続く第三章は、アジアのコレクターに初めて発見された場所である 台北・Art Taipei へと戻る。
Admira Gallery は 2015年に初めて Art Taipei に参加した際 から塚本の作品を台湾市場に紹介しており、現在まで 11年間継続して作品を発表 してきた。これまで Art Central Hong Kong、Art Taipei、Art Fair Tokyo などアジアの主要アートフェアに出展し、各フェアで 80％以上の高い販売率を記録している。
コレクターは 東京、台北、ロンドン、ニューヨーク、ベルリン、北京 など世界各都市に広がっており、過去3年間の展示販売だけでも 累計50万ドル以上 の売上を達成している。これは彼の作品が国際的なアートマーケットにおいて安定した評価と人気を得ていることを示している。
2026年の新作シリーズでは、作家は創作の原点へと立ち返り、近年展開してきた 桜のモチーフ をこれまでの作品世界の文脈へと再び取り込んでいる。
日本人にとって 桜 は日本文化を象徴する重要な存在であり、その生と散りゆく姿は 侘び寂びの思想における無常 をも象徴している。塚本が生み出す三原色の無限の重なりの中で、このモチーフは大和民族の世界観を繊細かつ象徴的に表現している。
Tomoya Tsukamoto, born in 1982 in Ishikawa, Japan, and currently based in Kanagawa, is an active contemporary artist known for his distinctive painting technique. Using an airbrush, he repeatedly sprays extremely fine dots to create visual effects reminiscent of Impressionist pointillism. By combining this meticulous process with dripping techniques and light, fluid brushstrokes, Tsukamoto has developed a unique pictorial language of his own.
His paintings are typically constructed through layered sprays of the three primary colors—red, blue, and yellow—which produce an optical color-mixing effect on the viewer’s retina, subtly dissolving the boundary between image and background. Recurring motifs such as cherry blossoms, koi fish, human figures, and deer appear throughout his works, exploring themes of light and shadow, as well as the cyclical nature of life and death.
In recent years, Tsukamoto has begun incorporating real plants as stencils, introducing visual inversions between figure and ground. Through this method, he reinterprets Georges Seurat’s theory of optical color mixing alongside the decorative sensibility of the Japanese Rinpa school, presenting them through a contemporary lens. His works carry the intricate decorative elegance characteristic of Japanese aesthetics, yet are realized through a minimalist process that invites viewers into a deeply immersive visual experience.
Beginning in 2025, Tsukamoto embarked on his first Asian solo exhibition tour in 13 years. Following the second stop in Tokyo, the third chapter returns to Art Taipei, the very place where Asian collectors first discovered his work. As early as 2015, when Admira Gallery first participated in Art Taipei, we introduced Tsukamoto’s works to the Taiwanese art market. Over the past 11 years, his works have been consistently presented at major Asian art fairs, including Art Central Hong Kong, Art Taipei, and Art Fair Tokyo, achieving outstanding sales results with over 80% of works sold at each fair.
His collectors now span major art capitals such as Tokyo, Taipei, London, New York, Berlin, and Beijing. According to internal records, total sales from exhibitions over the past three years alone have exceeded USD 500,000, demonstrating both the sustained strength of his market presence and the growing enthusiasm among international collectors.
In his 2026 new series, the artist returns to the core of his practice by integrating the sakura motif developed in recent years into the narrative contexts of his earlier works.
For the Japanese, cherry blossoms are a powerful cultural symbol, while their life cycle also embodies the concept of impermanence central to the philosophy of wabi-sabi. Within Tsukamoto’s endlessly layered compositions of the three primary colors, this imagery subtly yet vividly reflects a uniquely Japanese perspective on the world.
塚本智也，1982 年出生於日本石川縣，現居神奈川，是活躍於當代藝術界的創作者。他擅長以空氣噴筆重複噴繪極細微的點點，創造出如印象派點描般的視覺效果，並融合滴流技法與輕盈筆觸，打造出獨具風格的繪畫語彙。
他作畫特徵為以紅、藍、黃三原色層層噴疊，在視網膜上產生混色錯覺，進一步模糊圖像與背景的邊界。作品常以櫻花、鯉魚、人物、鹿等意象為主題，探討光與影、生與死的循環。近年運用實體植物作為噴畫模板，結合圖地反轉的視覺轉換手法，將喬治·秀拉（Georges Seurat）的視覺混合理論與日本琳派的裝飾性，以當代視角重新詮釋。作品既具備日本繁複的「裝飾」感性，卻又透過極簡的創作形式而成，邀請觀者進入深度的沉浸式觀看體驗。
2025年開始，他展開個人睽違13年的亞洲個展巡迴，第二站東京結束後，第三站回到他被亞洲藏家發現的原點——台北藝博（ART TAIPEI）。早在2015年觀止堂首次參與台北藝博時，我們就帶著塚本智也的作品進入台灣藝術市場至今已11年，並連續參加亞洲重要藝博會如香港 Art Central、台北 Art Taipei 及東京 Art Fair Tokyo 等，均取得亮眼的銷售成績，每檔展會作品售出率皆超過八成，藏家遍佈東京、台北、倫敦、紐約、柏林、北京等歐美亞主要城市。據內部統計，僅在過去三年的展覽中，累積銷售額便已突破美金 50 萬元，展現他在國際藝術市場與藏家中，穩定且強勁的收藏實力與市場熱度。
2026年新作品系列中回歸初心，將近年發展的櫻花系列融入過往創作的情境中。「櫻花」對日本人來說是代表日本文化的重要象徵，其生長型態也象徵了侘寂哲學裡的無常，在他創造的三原色無限循環中具體而微地展現大和民族看待世界的視角。