2025 ONE ART TAIPEI
藝術台北
Room 1310
VIP PREVIEW | Jan. 10, 2025, PUBLIC DAYS | Jan. 11-12, 2025
觀止堂（ADMIRA Gallery）很榮幸將於 2025 年1月參與台灣規模最大的飯店型藝術博覽會「2025 One Art TAIPEI 藝術台北」，本次是本畫廊連續第7次不間斷參與，帶來六位來自台灣與日本的藝術家作品。
国本泰英 Yasuhide Kunimoto
Swimmers
2023
Acrylic on canvas
80.3x194cm
國本泰英是獲得2019年One Art Taipei新賞獎得主之一（同年獲獎的還有我們另一位韓國藝術家權能），他以「記憶」為創作軸線，認為人類依賴視覺形象組織過去的經驗，缺失的片段，或多或少都會經由人類擅自的解釋補上，最後存在於記憶裡的影像可能早已不是事情的原貌。作品經常呈現相似又不盡相同的畫面，尤其經常描繪橫綱力士或游泳選手，最有辨識度的五官及形體邊界卻刻意以技法模糊，似乎要告訴你記憶是一件多麽籠統而不可被信任的事情，讓人想起高松次郎60年代創作的〈影〉系列。
相撲（SUMO）系列之外，本次展出他另一個同樣受歡迎的系列——泳者。
或許對台灣人很難想像，但日本是唯一一個亞洲國家將游泳課納入中小學國民義務教育課綱，時間長達50年以上。而這樣的日本人集體記憶的起因來自於二戰後1950至1960 年代，日本社會接連發生重大海難事故，造成許多學生意外喪生，引發社會輿論高度關注。政府與地方教育單位因此開始檢討，認為身為四面環海、河川湖泊眾多的國家，國民若沒有基本水性是巨大的安全風險。於是中央政策逐步推動游泳教育制度化，適逢1964年東京即將舉辦奧運，因此藉此將游泳納入體育課程標準，並投入經費建設校園泳池、建立教學規範，讓學生從基礎漂浮、自救到規律訓練逐步培養能力。長期執行後，游泳變成日本教育中幾乎理所當然的必備科目，也有效降低學生溺水意外，成為一項以生命安全為核心、基於歷史教訓而形成的國家教育政策。
與相撲系列探討「記憶」的概念相同，游泳是日本人的文化與共同記憶。國本泰英藉由描繪日本學生從泳池邊入水游泳或是等待老師呼喚的場景，乍看之下似乎都是同一個人，但臉、手腳的角度等姿態又略有微妙不同，引起觀者投射自身的記憶至畫面當中。
野村仁衣那 Nina Nomura
Daisy & Assemble on the table & Leftover
2024
Plastic
野村仁衣那，1993年生於日本東京，作為年輕藝術家的她曾修讀文學，並於桑澤設計研究所學習空間設計。2021年開始以藝術家身份進行創作，獲得日本設計展SICF22中獲得評審獎（MIKIKO賞）、後浪賞《原創藝術實驗獎》。2022年頻繁創作參與展覽，在日本最大型藝術展會「DESIGNART TOKYO」中，獲選為最受矚目的5位「UNDER 30」年輕創作者之一。
使用既有產品、家具進行藝術創作，認為塑料品的原料既然來自於石油、而石油又來自於動物的屍骸經過地殼變動與數萬年的時間累積而成，生命在這些歲月更迭中，或許也以不同的形式進入現今人類的生活裡。 . 於是她像是要喚醒隱藏在這些塑料品中的細胞一般，利用焊錫槍，以手工的方式一個一個在物體上開出孔洞，像是細胞開始活化一般頓時有了靈性。
日文裡有「命を吹き込む」（注入生命）的說法，動詞直翻的話是「吹入」的意思，她像是吹氣泡的魔法師，為這些無機物吹入了生命的氣息。那些難以計數的孔洞是時間的具現化，讓人聯想李禹煥對時間的詮釋、名和晃平對生命的體悟，以及草間彌生將所有生命全心全意投入藝術的執著。
賴逸倫 Yi-Lun Lai
卡索Castle
2024
陶瓷 油彩 人造石
W20 x H63 x D26cm
賴逸倫作品榮獲由台灣工藝中心舉辦的第四屆台灣青年陶藝獎雙年展首獎，也曾於鶯歌陶瓷博物館展出，獸首人身作品看似魔幻，姿態卻帶批判語意，人物手腳比例細長有著日本動漫感仿似公仔，不明所以的人還以為能如此精細呈現身體細節媒材必是木雕，但他其實全用陶瓷創作，為保留原胚精緻度，以低溫土施釉燒製，技術爐火純青。
他像是個社會觀察家，將人性與動物的生物性連結，變異成某種真實象徵的慾望，藉此巧妙回應各種社會議題。人形代表了外顯社會化角色，動物則代表了角色的原始內心，間接反映了人為了適應社會環境所做出的妥協和變異。
他在藝術家自述中說，「在充斥無奈的社會中，悲劇是我們最習以為常的色彩，日復一日的呢喃抗議。反覆的生活模式被視為馴化的真實，慣於被圈養的人類，似乎加速生物性的表現。作品的特殊性在於，如同動物般追求奔向自由的我們，最後變異成某種『慾望的』象徵。蛻去人類的表皮，我們也在這當中成為被揶揄的『牠們』。不管你認不認同這些赤裸的人性，但它卻是牽起你我連結的橋樑，不美好但真實。」
蔡旻芸 Min Yun Tsai
被遺忘的
2024
Ink on Paper
25x42cm
蔡旻芸1993年出生，畢業於高雄師範大學藝術學院，2014年獲得南瀛獎首獎，2023年入圍One Art Taipei 的新賞獎。這已是本畫廊代理的藝術家裡，第四位獲得新賞獎評審肯定的殊榮。
觀看蔡旻芸的作品，總能感受到現代人在生活中的百無聊賴。從她2014年拿到俗稱「難贏」獎的南瀛獎首獎水墨作品〈沈·溺〉談起，她以小時候生活過的三合院當成創作軸線，場景裡的物件都代表她的回憶，但明明應該是溫馨的場景，身為主角的人們卻彷彿從不存在，一眨眼就只剩下自己與這個世界連結著。
2016之後到現今的創作，延續〈三合院系列〉表現疏離議題，作品呈現平面式的視覺畫面，並刻意將畫面定格 在那些想像的、靜謐的無人風景。〈視線之外系列〉借用「窗」的形象區分內、外空間，並用旁觀的視角描繪外部世界，以傳達創作者在當代場域中對自我與社會產生的疏遠與冷淡。
她的作品經常出現盆栽或花園造景，植物們看起來欣欣向榮頗有朝氣，明顯是經由人類行為才導致的結果，卻毫無人類氣息，彷彿時間靜止。人為建物與自然景物並存的畫面，偽造那些熱鬧過後冷清、靜謐的無人風景，試圖表現自身與世界疏遠，卻又不得不接觸的不安與矛盾，進行一場與自己的對話與無聲的吶喊，在當代水墨中開創出獨樹一格的世界觀。
魏聖倢 Sheng Chieh Wei
You are a Butterfly When You are Lost in the Forest
2024
Acrylic on canvas
100 x 75 cm (F40)
魏聖倢畢業於高雄師範大學藝術學院跨領域藝術研究所，早期他描繪自我身體線條試圖藉著扭曲身體姿態闡釋自我情感上的錯綜糾葛，後來開始從社群媒體取材私領域畫面、重複拼貼出自己想像的IG生活即景牆，到近期他更加聚焦於植物自然生長勃發的線條，以及花朵聞而不見的香氣，將生活裡人們與他人構築關係鏈時，孤獨與狂歡總是相伴相隨的現代生活場景，幽微地以點與線或輕或重地走過畫面，時而鬱鬱寡歡、時而喜形於色。
2024年於高雄舉辦了畢業後第一場大型個展，進一步將試圖描繪的對象昇華為目不可視的「氣味」；康丁斯基（Wassily Kandinsky）曾提及他在「色彩裡聽到音樂，在音樂中看見色彩」，他直覺地塗上顏料表示花朵蘊含的氣味和空間，希望將色彩視為一種誘發嗅覺感官的來源，從而產生感知世界的真實存在。
技法上將壓克力顏料和輔助媒劑交互使用，讓顏料在乾後有種穿透流動的質地。大量使用乳白稠狀的輔助媒劑的靈感是來自於幾乎失傳的古老冷萃手法（Enfleurage），用來提煉不易取得，香氣甚微且敏感的花香。像是法國香水之都格拉斯 （Grasse）用來萃取香味的油脂質地，好比繪畫創作的過程，在白淨的畫布上，小心翼翼的鋪上難以察覺的香氣，將無法言說的感覺一層一層的浸入顏料裡，持續掏空深沈的自我，直到畫布完全吸飽了最獨特的氣味。
本次展出的作品為新的系列延伸。以《莊周夢蝶》為引，在虛擬 AI 滲透我們日常生活的時代，他的繪畫試圖反映科技快速發展讓現實生活變得更加數位化與虛幻。然而，矛盾的是，我們的夢境似乎更接近內心真正渴望的真實。
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小谷くるみ Kurumi Kotani
Cat
2023
Acrylic and mixed media on canvas
73 x 60.6 cm_(F20)
小谷くるみ是非常年輕的日本人氣藝術家，她於2017年從京都造形藝術大學油畫系畢業，2019年於同校取得碩士學位，今年才剛滿30歲，但作品在日本人氣居高不下，除了在東京不同畫廊空間展出外，2023年更前進關西大阪中之島美術館，首度讓美術館破例為40歲以下的藝術家舉辦個展。
她以「存在的痕跡與氣息」為主題持續發表繪畫作品。近期代表作包括：「21g」系列──源自她對靈異與恐怖題材的興趣，透過如同有人以手指在結露玻璃上塗寫的意象，試圖描述生命在不同次元的歷程，描繪出介於存在與不存在之間的不確定感。“21g”象徵靈魂的重量，飽滿水氣窗戶上的半透明膜，成為生者與逝者聯繫的媒介，也讓人聯想起兒時在父母帶著自己出遊時，在車上天真地塗鴉的記憶，充滿思慕之情。
透過記錄物質在時間推移中所經歷的變化痕跡，讓人聯想起20 世紀60年代西方藝術運動，如極簡主義和概念藝術，以及當時在日本興起的物派。儘管這種做法在現代和當代藝術史的背景下可能並不顯得特別罕見，但小谷獨特的技法獨特地呈現景物有與沒有之間的樣貌，霧氣背後風景非常寫實細膩，對超現實現象的紀錄與描繪，將變化和痕跡與無形世界相結合，讓人過目難忘。